fFlexible Aluminiumstäbe entfalten sich im Raum, spielerisch verbunden ohne Anfang und ohne Ende. Sie erscheinen als eigensinnige architektonische Organismen. Es ist, als ob halluzinatorische Spinnen in diesen funkelnden Metallgeweben am Werk wären. Aber es sind Skulpturen des Künstlers Gego.
Das Netz als Symbol menschlicher Beziehungen, die Linie als Beziehung zwischen Punkten am Himmel: Damit wurde Gertrud Goldschmidt, die sich seit ihrer Kindheit Gego nennt, zur Wegbereiterin eines neuen, offenen modularen Skulpturbegriffs, der die Solidität eroberte. und Solidität in den 1960er Jahren, den Raum erobern und in der Leere etwas Formbares sehen. Metall, für viele Bildhauer der damaligen Zeit eine Manifestation von Masse und Macht, war für sie im Raum ein souveränes, leichtfüßiges Bild.
Aus Mikado ist Architektur geworden, mit der ein kleiner, unscheinbarer Künstler die beeindruckende geometrische Abstraktion Lateinamerikas auf eine neue Ebene gehoben und die Ideen der amerikanischen Minimal Art in ephemere, schillernde Environments verwandelt hat. Ihre Installationen und Skulpturen wirken elegant, elegant und tanzend, organisch und spirituell, wie ein Gespenst, das aus der Zukunft herabschwebt – und doch sind sie technisch so elegant, dass nur ein ausgebildeter Architekt wie Gego so etwas produzieren konnte.
Anrufrückstand für Gego-Kunst
Die LGDR-Galerie repräsentiert den Gego-Nachlass. Aktuell zeigt sie Skulpturen und Zeichnungen in Paris, was auch mit einer umfassenden Ausstellung im Jumex Institute in Mexiko zusammenfällt und kündigt die Retrospektive im Guggenheim Museum in New York an (ab März 2023). In Hamburg, wo Gego 1912 als Tochter der Bankiersfamilie Goldschmidt & Söhne geboren wurde, und in Stuttgart, wo sie Architektur studierte, wurde sie bereits in Museen ausgestellt. Aber wir haben international, in den Institutionen und am Markt Nachholbedarf.
Die Preise reichen von 20.000 US-Dollar für Gegos Papierarbeiten bis zu 3,5 Millionen US-Dollar für größere, schwer zu findende Skulpturen. Die meisten Werke kosten weniger als eine Million, was nicht viel ist für eine Künstlerin, die laut ihrer Galeristin Dominique Lévy auf einer Stufe mit Eva Hesse und Louise Bourgeois steht.
Eine Szene aus der Ausstellung „Gego. Linien im Raum”, LGDR Galerie Paris
Quelle: © Fundación Gego/ Mit freundlicher Genehmigung von LGDR
„Unser Ziel ist es, die Bedeutung von Gego für die Kunstgeschichte zu etablieren“, sagte Lévy in einem Interview. “Der Markt wird dann sich selbst folgen.” Die gebürtige Schweizerin ist eine der anerkanntesten Kunsthändlerinnen, historische Ausstellungen gehören seit jeher zu ihrem Programm.
Mittlerweile betreibt sie ihre Galerie nicht nur mit ihrem langjährigen Partner Brett Gorvy, der wie sie über einschlägige Auktionserfahrung verfügt, sondern auch mit Jeanne Greenberg Rohatyn, Gründerin der Galerie Salon 94 und Schwiegertochter eines New Yorker Politikers . und Investmentbanker Felix Rohatyn. Vierte im Bunde ist Amalia Dayan, Enkelin des ehemaligen israelischen Verteidigungsministers Moshe Dayan und Ehefrau des New Yorker Investors, Sammlers und Kunsthändlers Adam Lindemann – zuvor leitete sie die Galerie Luxembourg and Dayan.
Mit Standorten in Paris, New York, London und Hongkong zielt LGDR darauf ab, eine flexiblere Galeriestruktur in einem zunehmend von Megagalerien dominierten Kunstmarkt einzuführen. „Wir glauben nicht an eine exklusive Künstlervertretung, sondern an ein kollaboratives, projektbasiertes Modell. Wir finanzieren Produktionen, ohne Künstler daran zu hindern, sie mit anderen Partnern zu teilen“, sagte Lévy, der Kunstexperten von Italien über Korea bis nach Taiwan und Shanghai beschäftigt. Neben kuratierten Ausstellungen stehen Beratung und Recherche auf ihrer Agenda, bald auch eine digitale Bibliothek, die dafür sorgen will, dass Bilder und Texte über den Galeriebetrieb hinaus verfügbar sind.
Gego floh nach Venezuela
Dominique Lévy lernte Gego einige Jahre nach ihrem Tod 1994 kennen. 2015 wurde sie die erste amerikanische Galeristin (nach Betty Parsons, die auch Jackson Pollock und Willem de Kooning vertrat), die mit Gego zusammenarbeitete; Die venezolanische Regierung lieh ihr sogar die Installation „Chorros“ mit dem Auftrag, diese filigranen Metallgewebe, die von der Decke herunterfließen, zu restaurieren. Gut möglich, dass Gego heute ihre Aussage revidiert, persönliche Erinnerungen seien für ihre Arbeit nicht wichtig. Denn ohne die Geschichte ihres Lebens ist sie unvorstellbar.
Gertrud Goldschmidt war das sechste von sieben Kindern. 1939 verließ sie als letztes Familienmitglied Hamburg auf der Flucht vor den Nazis – den Schlüssel zur Villa warf sie wach in die Alster. Sie ging nach England, wo ihre Verwandten blieben, aber sie bekam nur ein Transitvisum. Sie bestieg ein Frachtschiff nach Venezuela, ohne ein Wort Spanisch, aber mit einem Diplom der Technischen Universität Stuttgart in der Tasche: damals eine der weltbesten Universitäten für Architektur mit engen Verbindungen zum Ingenieurwesen.
Mit ihrem Mann, dem deutschen Unternehmer Ernst Gunz, gründete sie in Caracas ein Innenarchitekturunternehmen, für das sie Lampen und Möbel entwarf. Ölboom und Einwanderung brachten Geld in die Kassen eines Landes, das in seine Infrastruktur investierte – und bald auch die kinetische Kunst förderte, die neben Konkreter Kunst und Op Art in Brasilien zu einem nationalen Stil wurde.
In Caracas entwarf die Architektin, heute Mutter von zwei Kindern, Bars, Restaurants und den ersten Nachtclub, bevor sie sich auf das Unterrichten konzentrierte. 1951 trennte sie sich von ihrem Mann und verliebte sich in den Grafiker Gerd Leufert, der ihr Lebenspartner wurde. Er ermutigte Gego, sich ganz der Kunst zu widmen, die er lange Zeit in Form von abstrakten Zeichnungen und Collagen praktizierte. Er bereiste Europa und begann, kleine Skulpturen aus Pappe und Draht zu bauen.
Eine Skulptur des Künstlers Gego
Quelle: © Fundación Gego/ Mit freundlicher Genehmigung von LGDR
So abstrakt ihre Arbeiten auch sind, immer zeigt sich eine besondere Beziehung zum Körper. Und obwohl die geometrische Abstraktion in Brasilien mit Lygia Clark, Hélio Oiticica und Jésus Rafael Soto, in Deutschland mit der Zero Group und in den USA mit Agnes Martin und Frank Stella in neue Dimensionen vordrang, besuchte Gego 1960 die Ausstellung des visionären Architekten Buckminster Fuller im Garten des New Yorker Museum of Modern Art.
Er konnte seinen Tetraeder aus Aluminiumrohren und kugelförmigen Kuppeln aus dreieckigen Strukturen nicht fallen lassen. Raum, Leere, Licht, Linie, Reihen, unendliche Dreiecke und Verkettungen inspirieren seine „Reticulárea“: Raster mit modularen Knoten, die den Raum erobern und, damit die Form stabil bleibt, Dreiecke bilden.
Die soziale Dimension, der Bezug zum realen Leben, die Skulptur als Ort der Begegnung und Interaktion prägten fortan ihre Arbeit – zu einer Zeit, als Maurice Merleau-Pontys „Phänomenologie der Wahrnehmung“ von Künstlern wie Robert Morris, Richard Serra rezipiert wurde und Eva Hesse, die ein Medium für eine direkte Körper- und Raumerfahrung formen. Diese Vorstellung, dass Skulptur die Umwelt aktiviert, sich energetisch ausdehnt und – im Gegensatz zu männlichen Kollegen – Bewegung, Transparenz und Leichtigkeit ausstrahlt, macht ihre Arbeit bis heute so lebendig.
Selbst die im LGDR in Paris ausgestellten kleineren Metallskulpturen, von denen einige noch etwas Figuratives an sich haben, wirken unheimlich atmend und besitzen ein Eigenleben. Als wären die geodätischen Kuppeln von Buckminster Fuller zu eigenständigen metallischen Organismen geworden, die Räume wie Gedichte beladen.
